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De la era digital a la inteligencia artificial: ¿qué sigue definiendo a la música hecha por personas?

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Tras décadas trabajando en estudios y atravesando sucesivas transformaciones tecnológicas, Mario Breuer analiza la IA, la perfección técnica, los nuevos hábitos de escucha y aquello que sigue siendo esencial en la producción musical.

La industria musical ya atravesó cambios de formato, la llegada de Internet, la piratería digital, la popularización de los home studios, el streaming y una transformación profunda en la forma de producir y consumir música. Ahora, la inteligencia artificial añade una nueva etapa a ese recorrido.

Para Mario Breuer, que acompaña el universo de la grabación y la producción musical desde hace casi cinco décadas, algunas de esas transformaciones fueron estructurales. Otras modificaron principalmente las herramientas. Y, pese a toda la evolución tecnológica, ciertos principios permanecen prácticamente intactos.

En esta entrevista habla sobre el impacto de la era digital, las prácticas que se fueron perdiendo, los límites de la perfección técnica, el cambio en nuestros hábitos de escucha y el papel del productor en un momento en que los algoritmos ya pueden intervenir en distintas etapas del proceso creativo.

¿Cuál fue la transformación tecnológica que más cambió la música hasta ahora?

Mario: Yo pondría dos grandes puntos en esa línea de tiempo. El primero es la llegada de la era digital, principalmente alrededor del año 2000, cuando Internet, las descargas y la piratería provocaron una transformación muy fuerte en el negocio discográfico.

Al mismo tiempo apareció la posibilidad de tener un estudio dentro de una computadora por un costo mucho menor. El home studio se popularizó y cambió completamente la manera de producir.

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Después hubo una evolución enorme. Aprendimos a trabajar mejor en ese entorno, mejoraron muchísimo los plugins y el audio digital empezó a ofrecer posibilidades extraordinarias.

Ahora aparece la inteligencia artificial. Todavía es muy difícil decir hasta dónde va a llegar. Ya existe música generada por IA que funciona perfectamente como música de fondo sin que mucha gente siquiera perciba su origen.

No creo, sin embargo, que eso vaya simplemente a sustituir la música tocada. La gente va a seguir asistiendo a conciertos y estableciendo vínculos con artistas. Todavía tenemos que descubrir cómo van a reaccionar las audiencias ante todo esto.

Con tanta tecnología disponible, ¿qué perdieron músicos y productores durante el camino?

Mario: La tecnología hizo muy fácil componer, grabar, corregir afinación y colocar todo exactamente en tiempo. Y justamente porque se volvió tan fácil, en algunos casos dejamos de prestar atención a cosas que antes eran fundamentales.

Se perdió un poco la reunión entre músicos, el placer de tocar juntos y de construir una canción con una guitarra, una melodía o una idea antes de abrir la computadora.

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También veo una pérdida de savoir-faire, de cierta fineza musical. Pero eso no significa que la música actual sea mala. Hoy se está produciendo muchísima música muy buena.

Después de un período que considero musicalmente más pobre, comenzaron a aparecer músicos jóvenes que estudian mucho, tocan muy bien y mezclan lenguajes como jazz, neo soul, electrónica y otras referencias de formas muy interesantes.

¿La búsqueda de la perfección técnica puede quitarle personalidad a la música?

Mario: Sí. Hay discos que uno escucha y técnicamente suenan increíbles. Todo está perfecto. Pero cuando alguien pregunta si me gustó, la respuesta puede ser no.

La perfección absoluta funciona muy bien para la ingeniería o la arquitectura. En el arte, las pequeñas imperfecciones forman parte de la personalidad.

Cuando todo está perfectamente alineado, afinado y corregido, existe el riesgo de que la música pierda identidad. Para mí, la perfección excesiva puede incluso ser opuesta al buen gusto musical.

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¿También cambió nuestra manera de escuchar música?

Mario: Completamente. Durante muchos años existía casi un ritual alrededor de escuchar un disco. Uno reunía amigos, ponía el álbum, se pasaba la portada de mano en mano y lo escuchaba una, dos, tres veces. Toda la atención estaba puesta en la música.

Hoy predominan las playlists y las canciones individuales. Mucha gente escucha desde el teléfono, los parlantes de la computadora o incluso con un solo lado de los auriculares.

La forma de consumir música cambió radicalmente. El público masivo, en general, ya no escucha con la misma atención ni en las mismas condiciones en las que escuchábamos antes.

¿Qué significa ser productor cuando tantas decisiones pueden automatizarse?

Mario: Intento trabajar de una manera bastante parecida a como trabajaba durante los años 80 y 90.

Por supuesto que utilizo tecnología. Si alguien desafina un poco, podemos usar una herramienta para corregirlo. Pero sigo prefiriendo grabar a la banda tocando junta siempre que sea posible.

También me mantengo relativamente alejado de la inteligencia artificial dentro de mi trabajo. Pruebo las herramientas, las conozco y procuro mantenerme actualizado, pero no tengo interés en entregarles justamente la parte que disfruto hacer.

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Si quiero crear algo, quiero participar de ese proceso. No quiero simplemente describirlo y recibir el resultado terminado.

¿Dónde está la diferencia entre una IA que acumula millones de referencias y un profesional que desarrolla criterio?

Mario: La experiencia es la base del criterio. Uno acumula información, vivencias, éxitos y fracasos y, poco a poco, desarrolla una forma de decidir.

De alguna manera, la inteligencia artificial también trabaja acumulando referencias. La diferencia es que puede asumir múltiples criterios, dependiendo de lo que uno le pida.

Tal vez lo que estamos subestimando no sea exactamente a la inteligencia artificial, sino a las audiencias.

La IA puede ser una herramienta maravillosa si se utiliza como herramienta. Pero si el público decide que prefiere música generada por IA antes que música creada y tocada por personas, será una decisión de las propias audiencias.

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Por eso creo que debemos seguir mostrando aquello que hace diferente a la música humana: músicos tocando juntos, actuaciones en vivo, dinámica, interpretación y decisiones que no necesitan estar permanentemente corregidas.

Después de tantas revoluciones tecnológicas, ¿qué sigue exactamente igual?

Mario: Hay algo que nunca cambió: lo que suena bien no es simplemente un micrófono caro, una gran consola, un ingeniero famoso o un estudio sofisticado.

Lo que suena bien es una buena canción, muy bien arreglada y muy bien tocada.

Cada vez que termino un disco y pienso que hicimos un gran trabajo, normalmente tiene exactamente eso: buenas canciones, buenos arreglos y músicos tocando muy bien.

Eso sigue siendo igual.

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Y espero que en el futuro el trabajo realizado por personas siga teniendo valor. Que se pueda reconocer que detrás de una grabación hubo gente de carne y hueso tomando decisiones, tocando, equivocándose, acertando y construyendo esa música.

Agradecemos a Mario Breuer y a Martín Ramicone por el envío de este material.

Conecta+2026

Productor musical argentino radicado en Brasil desde 2013, donde desarrolla su actividad profesional a través de su agencia daChance Music. Con más de 26 años de trayectoria en la industria latina, ha trabajado en el desarrollo, producción, gestión de proyectos artísticos y culturales, construyendo puentes entre profesionales, artistas e instituciones de distintos países. En los últimos años, su trabajo se ha expandido hacia nuevos intercambios impulsando colaboraciones y oportunidades que conectan escenas, mercados y talentos en la región.

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Interfaces sin DSP propietario: ¿está cambiando el modelo del estudio profesional?

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Computadores más potentes y latencias menores vuelven a cuestionar la necesidad de ecosistemas cerrados para grabación profesional.

Durante años, una de las grandes ventajas de ciertas interfaces profesionales fue no depender completamente del computador.

El DSP dedicado permitió monitorear plugins con muy baja latencia y ejecutar procesos sin cargar la CPU principal. Pero también dio origen a ecosistemas en los que hardware, software y plugins funcionan de manera estrechamente integrada y, frecuentemente, propietaria.

Ahora esa ecuación vuelve a discutirse.

Audient puso el tema sobre la mesa

La nueva gama Horizon es un ejemplo particularmente claro.

Audient anuncia una arquitectura Thunderbolt 3 con 0,99 ms de latencia round-trip a 192 kHz y plantea el procesamiento nativo como alternativa al modelo dependiente de chips DSP propietarios.

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La compañía vincula directamente esa estrategia con el aumento de potencia de los computadores modernos.

No es solamente una característica técnica.

Es una declaración sobre cómo cree que puede funcionar el estudio.

El DSP dedicado todavía tiene argumentos

Muchos.

Puede aportar previsibilidad, procesamiento independiente y una integración particularmente estrecha entre interfaz y plugins.

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Para estudios con workflows consolidados, esa estabilidad tiene valor económico.

Cambiar una plataforma que funciona simplemente porque existe una CPU más rápida no tiene necesariamente sentido.

Por eso sería prematuro hablar de la desaparición del DSP.

Lo que cambió es la alternativa

La diferencia es que el procesamiento nativo es cada vez menos una solución de compromiso.

Cuando el computador puede ejecutar sesiones grandes, plugins complejos y buffers reducidos, aparece una pregunta lógica:

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¿todavía necesito hardware dedicado para procesarlos?

Si la respuesta es no, el usuario gana una ventaja evidente: puede elegir herramientas de distintos desarrolladores sin depender de un catálogo diseñado específicamente para su interfaz.

La discusión también es comercial

Al comprar una interfaz profesional, el usuario no elige solamente conversores y preamplificadores.

Puede estar eligiendo un ecosistema para los próximos cinco o diez años.

Plugins, actualizaciones, compatibilidad, licencias, computadores y costos de migración forman parte de la decisión.

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Eso modifica también la conversación en el punto de venta.

La verdadera batalla: integración o libertad

Los ecosistemas propietarios deberán seguir demostrando que su nivel de integración aporta suficiente valor.

Las plataformas nativas deberán demostrar que pueden ofrecer la misma confiabilidad en situaciones críticas.

Pero el hecho de que la pregunta haya regresado al mercado ya es significativo.

Probablemente ambos modelos continúen coexistiendo.

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Neumann renueva su referencia de tres vías y abre espacio para salas mayores con KH 310 II y KH 350

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Los dos nuevos monitores comparten DSP de 32 bits y drivers desarrollados internamente, pero responden a necesidades distintas: uno actualiza un clásico; el otro busca mayor alcance, graves más profundos y audio inmersivo.

Actualizar un monitor que ya se convirtió en referencia es un ejercicio delicado. Cambiar demasiado puede alterar su identidad; cambiar poco puede no justificar una nueva generación. Con el KH 310 II, Neumann intenta conservar aquello que hizo conocido al modelo original y, al mismo tiempo, mejorar potencia, rendimiento e integración digital.

Junto a él aparece el KH 350, un diseño completamente nuevo dentro de la gama de tres vías, pensado para usuarios que necesitan más extensión de graves, mayor capacidad de SPL y mayor flexibilidad entre campo cercano y campo medio. 

Ambos modelos utilizan una plataforma común con drivers desarrollados por Neumann, amplificación de mayor potencia y procesamiento DSP de 32 bits. También se integran con MA 1 Automatic Monitor Alignment y ofrecen conectividad analógica y AES3 coaxial. 

KH 310 II: evolucionar sin perder lo esencial

El KH 310 II mantiene elementos centrales del modelo anterior, como el gabinete sellado y el driver de medios soft-dome de 3 pulgadas.

Neumann conserva esa arquitectura por su respuesta transitoria rápida, bajo retardo de grupo y control de graves. Al mismo tiempo, el nuevo modelo incorpora un woofer rediseñado, más potencia de amplificación, DSP avanzado, mayor linealidad y menor distorsión. 

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Uno de los datos más relevantes es que el SPL máximo aumenta 5 dB frente al KH 310 original, aunque el gabinete mantiene exactamente las mismas dimensiones. Esto facilita su incorporación en estudios que ya utilizan la generación anterior. 

KH 350: más graves y mayor distancia de escucha

El KH 350 sigue otra lógica. Fue concebido desde cero como una nueva solución para campo cercano y medio, combinando la plataforma de medios y agudos de la marca con un gabinete bass-reflex de mayor volumen.

Su caja es casi el doble de grande que la del KH 310 II y utiliza una disposición vertical de los transductores. La intención es ofrecer mayor nivel de presión sonora y funcionar con comodidad en entornos más amplios, incluyendo salas surround e inmersivas. 

La extensión de bajas frecuencias llega hasta 27 Hz (±6 dB). También incorpora una waveguide MMD de gran tamaño para controlar la directividad y mantener una imagen estable, algo especialmente relevante en configuraciones LCR y surround. 

Mismo ADN, dos formas de trabajar

Los dos monitores comparten tweeter de precisión de 1 pulgada, driver de medios soft-dome de 3 pulgadas, woofer de 8,25 pulgadas y procesamiento DSP. La diferencia principal está en el concepto acústico y en la escala de aplicación. 

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Mientras KH 310 II evoluciona un monitor ya consolidado, KH 350 ocupa el espacio entre ese modelo y el flagship KH 420, dirigido a ingenieros que necesitan mayor extensión de graves y más flexibilidad en la distancia de escucha.

Ese probablemente sea el punto más interesante del lanzamiento: Neumann no presenta simplemente dos tamaños, sino dos soluciones distintas dentro de un mismo estándar de monitoreo.

La serie KH mantiene compatibilidad entre modelos para configuraciones estéreo, surround e inmersivas, siguiendo la filosofía de máxima linealidad, baja distorsión y adaptación al entorno acústico. 

www.neumann.com

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Audient lanza Horizon, nueva gama de interfaces Thunderbolt 3 para estudios profesionales

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La serie incluye Horizon 8P, Horizon 16 y Horizon 32, con conversión de 32 bits, baja latencia y expansión de hasta 200 × 200 I/O.

Audient presentó Horizon, una nueva gama flagship de interfaces de audio Thunderbolt 3 orientada al mercado de estudios profesionales. La serie debuta con tres modelos — Horizon 8P, Horizon 16 y Horizon 32 — diseñados para diferentes flujos de grabación e integración híbrida.

Según la compañía, toda la plataforma utiliza conversión de 32 bits, arquitectura de alto ancho de banda y una latencia round-trip de 0,99 ms a 192 kHz, permitiendo grabar y monitorear con plugins nativos sin depender de DSP propietario.

Tres modelos para distintos flujos de trabajo

Horizon 8P está pensada para tracking y ofrece 24 entradas y 32 salidas, además de ocho preamplificadores Audient Console Mic con ORBIT Control, sistema de impedancia variable. El diseño deriva de la consola ASP8024-HE.

Horizon 16 apunta a estudios híbridos y ofrece 34 entradas y 34 salidas, con 32 canales de conversión a través de cuatro conectores DB25 y una ruta estéreo dedicada para mix bus.

Por su parte, Horizon 32 está dirigida a instalaciones de mayor escala, con 50 entradas y 50 salidas y hasta 64 canales de I/O analógico mediante ocho conectores DB25, facilitando la conexión con outboard, consolas de suma y sistemas multiespacio.

Escalable hasta 200 × 200

La arquitectura permite encadenar hasta cuatro unidades utilizando un único driver macOS. Con cuatro Horizon 32, el sistema puede alcanzar 200 × 200 I/O.

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Todos los modelos incluyen recall digital de ganancias y configuraciones, expansión ADAT, Word Clock BNC, niveles de referencia seleccionables y chasis metálico 1U con diseño fanless. La garantía es de tres años.

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