instrumentos musicales

Cómo organizar tu pedalera

Published

4 años ago

22/07/2022

Redacción

Cuando se trata de ordenar tu pedalera, hay algunas reglas de oro que vale la pena conocer para hacer que todo funcione bien. Te las mostramos a continuación.

Sin embargo, como siempre, las reglas están hechas para romperse. Aquí, presentamos una guía de posicionamiento de pedales de nueve pasos, además de algunas opciones para aquellos que buscan hacerlo de manera diferente.

1. Volumen

Dónde ponerlo: al comienzo de tu cadena. Colocado ahí, es como tener la perilla de volumen de tu guitarra en forma de pedal.

Alternativamente: si no deseas rastros de delays y reverberaciones, y deseas que la señal decaiga, colócalo al final. Puede ser bastante dramático producir gradualmente partes de guitarra grandes y pesadas en un desvanecimiento similar al de un estudio mientras tocas en vivo.

2. Compresor

Dónde ponerlo: idealmente, cualquier compresión debe ocurrir antes que el resto de la cadena de señal, para controlar los picos, mientras se permite un salto en el volumen. Dado que los compresores funcionan nivelando la señal y agregando ganancia, los pedales posteriores, especialmente los drives, pueden necesitar ajustar su nivel de salida. Una vez que están marcados, estás listo. Colocados frente a los drives, los compresores pueden suavizar su respuesta mientras entregan una señal más caliente a su entrada y un sonido “más grueso”.

Alternativamente: coloca el compresor al final de tu cadena. Esto disminuirá la diferencia de amplitud entre las diferentes rutas de señal potencial dentro de tu pedalera y dará como resultado un nivel de señal más consistente. Después de todo, cuando grabas en un estudio, es casi seguro que habrá compresión en el post-amplificador y el post-micrófono de tu guitarra.

3. Whammy

Dónde ponerlo: después de la compresión pero antes de los drives. Los pitch shifters alteran tu señal y la comprimen, por lo que tener drives posteriores puede recortar y suavizar algunos de los artefactos desagradables y agregar sus propios armónicos complementarios adicionales.

Alternativamente: ponlo después de los delays para que puedas usar dinámicamente los efectos momentáneos para, por ejemplo, alterar los rastros de una señal que decae. Un truco común de rock matemático es colocar un pitch shifter después de un Boss DD-3 con el tiempo al mínimo y el feedback al máximo para obtener un efecto de sonido de ciencia ficción momentáneo.

4. Wah

Dónde ponerlo: antes de los drives para un sonido de filtro musical completo como Hendrix y Satriani. Cuando se coloca antes del reverb y la modulación, mover el wah lentamente puede dar como resultado un filtro casi similar a un phaser que se puede controlar dinámicamente con el pie para obtener un movimiento sutil y psicodélico en las secciones arpegiadas.

Alternativamente: colócalo después de los fuzzes para obtener un sonido de filtro salvaje y extremo. Piensa en los sonidos solistas de Billy Corgan en temas de Smashing Pumpkins como Slunk.

5. Preamp/Drive

Dónde ponerlo: antes de drives y fuzzes. Romper la entrada de los drives produce un tono recortado, comprimido y más gordo.

Alternativamente: después de drives y fuzzes para funcionar más como un boost principal. Aquí, seguirá engordando el sonido, pero no aumentará la compresión ni el clipping.

6. Fuzz/Distorsión

Dónde ponerlo: antes de delays y modulaciones, después de drives y pitch shifters. Las señales comprimidas o recortadas pueden hacer que el volumen percibido de la guitarra sea mayor. Dado que los delays y los reverbs funcionan creando copias de la señal, colocar distorsión después de ellos puede provocar saltos de volumen o tonos turbios. Colocarlos antes hace que el corte entre repeticiones sea más limpio.

Alternativamente: ponlos antes de los pitch shifters. Al tiempo que recortarán mucho la señal de la guitarra, enviarán una señal más comprimida al pitch shifter. Este podría ser un tono radicalmente diferente, dependiendo de los pedales fuzz y pitch shifter utilizados.

7. Modulación

Dónde ponerlo: después de tus overdrives y distorsiones, para que todos los demás efectos de la cadena se filtren consistentemente. El sonido de algo como un phaser o un flanger después del drive puede ser poderoso: piensa en el solo de Alive and Amplified de The Mooney Suzuki.

Alternativamente: prueba el phaser o el flanger antes que el drive para obtener un efecto más sutil que le dé una sensación de movimiento a tu interpretación; piensa en el tono solista de Eddie Van Halen.

8. Delay

Dónde ponerlo: Después de los drives; antes del reverb y la modulación.

Alternativamente: colócalo después del reverb, o apila múltiples pedales de delay y reverb en serie para obtener tonos ambientales enormes. La regla general tiende a ser: para mayor claridad, apila desde un tiempo de retraso moderadamente largo y aumenta a medida que avanzas en la cadena. Para los músicos ambientales, comienza con un tiempo inicial más corto y aumenta a partir del segundo retraso.

9. Reverb

Dónde ponerlo: después de los delays, para que tu delay siga siendo claro. La combinación de delay y reverb puede ser excelente para la reproducción ambiental, pero usarlos de tal manera que no se conviertan en un lavado indistinto puede ser complicado.

Con el reverb colocado después del delay, la reducción de los agudos en una reverberación es suficiente para obtener un gran sonido de pad, o un tono ambiental para secciones limpias y atmosféricas, sin que la reverberación se vuelva abrumadora.

Alternativamente: coloca tu reverb frente a tus drives o ejecútalo en un amplificador sucio. Este tono oscuro puede ser inquietante. Es un gran truco para probar en el estudio si estás experimentando con órdenes de señales alternativas, y supuestamente es el orden de pedal preferido de Steven Wilson de Porcupine Tree, quien ejecuta sus delays y reverbs en el canal sucio de tu amplificador.

Fuente: Total Guitar.

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Guild F-412 Standard, guitarras jumbo de 12 cuerdas fabricadas en EE.UU

Published

2 días ago

06/03/2026

Redacción

Nueva serie amplía la oferta profesional de la marca con opción de pastilla L.R. Baggs y enfoque en músicos de directo y estudio.

Guild anunció el lanzamiento de las nuevas F-412 Standard Natural y F-412 Standard Pacific Sunset Burst, guitarras acústicas jumbo de 12 cuerdas fabricadas en Estados Unidos. Los modelos marcan el regreso de la marca a la producción local de guitarras de 12 cuerdas con cuerpo de caoba después de varios años.

Según Nick Beach, gerente de producto de instrumentos fretted de Guild, la serie busca ofrecer instrumentos profesionales más accesibles dentro del catálogo de la marca, acercando este tipo de guitarra a músicos que trabajan regularmente en escenarios y estudios.

Construcción pensada para un sonido amplio y definido

Ambos modelos comparten la misma construcción y se diferencian únicamente por el acabado. El cuerpo utiliza fondo y aros de caoba africana maciza, mientras que la tapa de abeto Sitka macizo equilibra calidez tonal y definición, una característica clásica en las jumbo de 12 cuerdas de Guild.

El resultado es un sonido amplio y con fuerte presencia armónica, habitual en grabaciones de folk, rock acústico y pop, donde el efecto de “chorus natural” propio de las 12 cuerdas genera capas densas sin necesidad de procesamiento adicional.

El mástil de caoba con perfil en “C” fue diseñado para ofrecer mayor comodidad pese a la tensión característica de este tipo de instrumento, acompañado por diapasón de rosewood indio y clavijeros vintage open-gear.

Lista para escenario y grabación

Las versiones F-412E Standard incorporan el sistema activo L.R. Baggs Element VTC, con controles discretos de volumen y tono. La inclusión de la pastilla amplía el uso del instrumento en directo y grabaciones directas, manteniendo la respuesta acústica original.

Cada unidad incluye estuche rígido con control de humedad y certificado de autenticidad.

Regreso estratégico al segmento de 12 cuerdas

El lanzamiento refuerza la presencia de Guild en un segmento que ha vuelto a ganar interés entre compositores, productores y artistas que buscan texturas acústicas más ricas sin recurrir a múltiples capas de grabación.

Al posicionar el modelo por debajo de sus series tope de gama, la marca amplía el acceso a instrumentos fabricados en EE. UU. dentro de la categoría profesional, en línea con la creciente demanda de guitarras premium pensadas para uso real en giras y estudio.

instrumentos musicales

phase8 de Korg, un sintetizador acústico basado en vibración real

Published

3 días ago

05/03/2026

Redacción

El nuevo instrumento combina resonadores físicos y control electrónico para una experiencia sonora más expresiva y táctil.

Korg anunció el phase8, un sintetizador acústico de ocho voces que propone una idea poco habitual: generar sonido mediante vibración física real, no solo procesamiento digital.

El instrumento utiliza resonadores de acero activados electromecánicamente, creando un comportamiento sonoro más cercano a un instrumento acústico que a un sintetizador tradicional.

Sonido que se puede tocar

El phase8 permite interactuar directamente con el sonido. Los músicos pueden golpear, pulsar o rozar los resonadores para modificar la respuesta sonora en tiempo real, introduciendo variaciones naturales imposibles de replicar únicamente con software.

Incluye 13 resonadores afinados cromáticamente —ocho utilizables simultáneamente— que pueden intercambiarse para adaptar afinación y carácter tonal.

Un control llamado AIR regula cuánto influye la interacción física en el resultado final, reforzando la sensación de instrumento “vivo”.

Pensado para performance y creación sonora

Más que un sintetizador convencional, el phase8 apunta a:

performances electrónicas en vivo
sound design experimental
producción híbrida acústico-digital
estudios creativos que buscan nuevas texturas

El enfoque responde a una tendencia creciente: músicos que buscan recuperar la interacción física dentro de entornos electrónicos cada vez más digitales.

Integración con setups actuales

El instrumento incorpora secuenciador interno y conectividad completa:

MIDI y USB-MIDI
sincronización Sync
control CV para sistemas modulares

Esto permite integrarlo fácilmente en estudios, rigs de directo o configuraciones analógicas.

Electrónica con comportamiento acústico

El phase8 representa un enfoque híbrido dentro del diseño de instrumentos: combinar precisión electrónica con respuesta física real. En lugar de emular lo acústico, el sistema produce sonido mediante vibración tangible, abriendo nuevas posibilidades expresivas para músicos y creadores.

instrumentos musicales

3 nuevos pedales de Behringer enfocados en la experimentación sonora

Published

4 días ago

04/03/2026

Redacción

Flange With No Name, BM-17 Frequency Box y Ring Stinger amplían el catálogo con efectos orientados a la exploración creativa y el diseño de sonido.

Behringer anunció el lanzamiento de tres nuevos pedales dirigidos a músicos que buscan salir de los sonidos tradicionales y explorar territorios más experimentales: Flange With No Name, BM-17 Frequency Box y Ring Stinger.

La propuesta común entre los tres modelos es clara: ofrecer herramientas históricamente asociadas a pedales boutique o equipos de nicho, ahora en formatos más accesibles y orientados tanto a guitarristas como a productores y usuarios híbridos entre guitarra y síntesis.

Flange With No Name: modulación con estética noventera

El Flange With No Name recupera el carácter de los flangers boutique de los años 90, conocidos por su uso en escenas experimentales y alternativas.

Más que un efecto de modulación tradicional, el pedal busca funcionar como una “caja de texturas”, permitiendo desde movimientos sutiles hasta barridos extremos y sonidos metálicos.

Para qué sirve en la práctica:

crear atmósferas en guitarras ambientales
diseño sonoro en producción electrónica
efectos psicodélicos o shoegaze
capas en estudio y postproducción

La intención no es emular un chorus limpio, sino ofrecer un efecto con personalidad marcada y comportamiento orgánico.

BM-17 Frequency Box: cuando un pedal se convierte en sintetizador

El BM-17 Frequency Box es probablemente el más atípico del trío. Funciona como un VCO (oscilador controlado por voltaje) independiente que puede operar por sí solo o reaccionar a la señal entrante.

Esto lo acerca más al mundo modular que al pedalboard tradicional.

Aplicaciones reales:

generar drones y tonos sintéticos
integrar guitarras con setups de sintetizadores
crear efectos experimentales en directo
sound design para cine o producción electrónica

El pedal permite transformar una señal instrumental en una fuente sonora completamente distinta, algo poco habitual en pedales convencionales.

Ring Stinger: ring modulation con fuzz integrado

El Ring Stinger revive un pedal boutique de culto de los años 90 combinando ring modulator y fuzz en una misma unidad.

El resultado son sonidos metálicos, armónicos impredecibles y texturas agresivas muy utilizadas en rock experimental, noise y música alternativa. La combinación de ambos circuitos permite pasar de distorsiones densas a sonidos casi sintetizados.

Dónde puede destacar:

riffs experimentales
música alternativa y shoegaze
efectos industriales
creación de paisajes sonoros poco convencionales

Una tendencia clara: pedales como herramientas creativas

Más que ampliar opciones tradicionales de overdrive o delay, estos lanzamientos reflejan una tendencia creciente: el pedal como instrumento creativo en sí mismo.

Cada uno apunta a perfiles distintos —guitarristas exploradores, productores híbridos y diseñadores de sonido— mostrando cómo el mercado actual busca ampliar el lenguaje sonoro más allá de los efectos clásicos.