Tras décadas trabajando en estudios y atravesando sucesivas transformaciones tecnológicas, Mario Breuer analiza la IA, la perfección técnica, los nuevos hábitos de escucha y aquello que sigue siendo esencial en la producción musical.

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La industria musical ya atravesó cambios de formato, la llegada de Internet, la piratería digital, la popularización de los home studios, el streaming y una transformación profunda en la forma de producir y consumir música. Ahora, la inteligencia artificial añade una nueva etapa a ese recorrido.

Para Mario Breuer, que acompaña el universo de la grabación y la producción musical desde hace casi cinco décadas, algunas de esas transformaciones fueron estructurales. Otras modificaron principalmente las herramientas. Y, pese a toda la evolución tecnológica, ciertos principios permanecen prácticamente intactos.

En esta entrevista habla sobre el impacto de la era digital, las prácticas que se fueron perdiendo, los límites de la perfección técnica, el cambio en nuestros hábitos de escucha y el papel del productor en un momento en que los algoritmos ya pueden intervenir en distintas etapas del proceso creativo.

¿Cuál fue la transformación tecnológica que más cambió la música hasta ahora?

Mario: Yo pondría dos grandes puntos en esa línea de tiempo. El primero es la llegada de la era digital, principalmente alrededor del año 2000, cuando Internet, las descargas y la piratería provocaron una transformación muy fuerte en el negocio discográfico.

Al mismo tiempo apareció la posibilidad de tener un estudio dentro de una computadora por un costo mucho menor. El home studio se popularizó y cambió completamente la manera de producir.

Después hubo una evolución enorme. Aprendimos a trabajar mejor en ese entorno, mejoraron muchísimo los plugins y el audio digital empezó a ofrecer posibilidades extraordinarias.

Ahora aparece la inteligencia artificial. Todavía es muy difícil decir hasta dónde va a llegar. Ya existe música generada por IA que funciona perfectamente como música de fondo sin que mucha gente siquiera perciba su origen.

No creo, sin embargo, que eso vaya simplemente a sustituir la música tocada. La gente va a seguir asistiendo a conciertos y estableciendo vínculos con artistas. Todavía tenemos que descubrir cómo van a reaccionar las audiencias ante todo esto.

Con tanta tecnología disponible, ¿qué perdieron músicos y productores durante el camino?

Mario: La tecnología hizo muy fácil componer, grabar, corregir afinación y colocar todo exactamente en tiempo. Y justamente porque se volvió tan fácil, en algunos casos dejamos de prestar atención a cosas que antes eran fundamentales.

Se perdió un poco la reunión entre músicos, el placer de tocar juntos y de construir una canción con una guitarra, una melodía o una idea antes de abrir la computadora.

También veo una pérdida de savoir-faire, de cierta fineza musical. Pero eso no significa que la música actual sea mala. Hoy se está produciendo muchísima música muy buena.

Después de un período que considero musicalmente más pobre, comenzaron a aparecer músicos jóvenes que estudian mucho, tocan muy bien y mezclan lenguajes como jazz, neo soul, electrónica y otras referencias de formas muy interesantes.

¿La búsqueda de la perfección técnica puede quitarle personalidad a la música?

Mario: Sí. Hay discos que uno escucha y técnicamente suenan increíbles. Todo está perfecto. Pero cuando alguien pregunta si me gustó, la respuesta puede ser no.

La perfección absoluta funciona muy bien para la ingeniería o la arquitectura. En el arte, las pequeñas imperfecciones forman parte de la personalidad.

Cuando todo está perfectamente alineado, afinado y corregido, existe el riesgo de que la música pierda identidad. Para mí, la perfección excesiva puede incluso ser opuesta al buen gusto musical.

¿También cambió nuestra manera de escuchar música?

Mario: Completamente. Durante muchos años existía casi un ritual alrededor de escuchar un disco. Uno reunía amigos, ponía el álbum, se pasaba la portada de mano en mano y lo escuchaba una, dos, tres veces. Toda la atención estaba puesta en la música.

Hoy predominan las playlists y las canciones individuales. Mucha gente escucha desde el teléfono, los parlantes de la computadora o incluso con un solo lado de los auriculares.

La forma de consumir música cambió radicalmente. El público masivo, en general, ya no escucha con la misma atención ni en las mismas condiciones en las que escuchábamos antes.

¿Qué significa ser productor cuando tantas decisiones pueden automatizarse?

Mario: Intento trabajar de una manera bastante parecida a como trabajaba durante los años 80 y 90.

Por supuesto que utilizo tecnología. Si alguien desafina un poco, podemos usar una herramienta para corregirlo. Pero sigo prefiriendo grabar a la banda tocando junta siempre que sea posible.

También me mantengo relativamente alejado de la inteligencia artificial dentro de mi trabajo. Pruebo las herramientas, las conozco y procuro mantenerme actualizado, pero no tengo interés en entregarles justamente la parte que disfruto hacer.

Si quiero crear algo, quiero participar de ese proceso. No quiero simplemente describirlo y recibir el resultado terminado.

¿Dónde está la diferencia entre una IA que acumula millones de referencias y un profesional que desarrolla criterio?

Mario: La experiencia es la base del criterio. Uno acumula información, vivencias, éxitos y fracasos y, poco a poco, desarrolla una forma de decidir.

De alguna manera, la inteligencia artificial también trabaja acumulando referencias. La diferencia es que puede asumir múltiples criterios, dependiendo de lo que uno le pida.

Tal vez lo que estamos subestimando no sea exactamente a la inteligencia artificial, sino a las audiencias.

La IA puede ser una herramienta maravillosa si se utiliza como herramienta. Pero si el público decide que prefiere música generada por IA antes que música creada y tocada por personas, será una decisión de las propias audiencias.

Por eso creo que debemos seguir mostrando aquello que hace diferente a la música humana: músicos tocando juntos, actuaciones en vivo, dinámica, interpretación y decisiones que no necesitan estar permanentemente corregidas.

Después de tantas revoluciones tecnológicas, ¿qué sigue exactamente igual?

Mario: Hay algo que nunca cambió: lo que suena bien no es simplemente un micrófono caro, una gran consola, un ingeniero famoso o un estudio sofisticado.

Lo que suena bien es una buena canción, muy bien arreglada y muy bien tocada.

Cada vez que termino un disco y pienso que hicimos un gran trabajo, normalmente tiene exactamente eso: buenas canciones, buenos arreglos y músicos tocando muy bien.

Eso sigue siendo igual.

Y espero que en el futuro el trabajo realizado por personas siga teniendo valor. Que se pueda reconocer que detrás de una grabación hubo gente de carne y hueso tomando decisiones, tocando, equivocándose, acertando y construyendo esa música.

Agradecemos a Mario Breuer y a Martín Ramicone por el envío de este material.

XIBO T1 y XIBO T2 combinan arquitectura cuasi de tres vías, configuración coaxial, amplificación Clase D de 1.000 W RMS y DSP de 32 bits.

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Montarbo amplió su catálogo de audio profesional con la serie XIBO, una nueva familia de altavoces activos point-source integrada inicialmente por los modelos XIBO T1 y XIBO T2. La línea fue desarrollada para aplicaciones que requieren potencia, cobertura controlada y facilidad de instalación sin recurrir necesariamente a sistemas line array.

La propuesta contempla distintos escenarios de sonorización, desde actuaciones en vivo y eventos corporativos hasta DJs, empresas de alquiler e instalaciones fijas. Ambos modelos utilizan una arquitectura cuasi de tres vías combinada con una configuración coaxial para medios y agudos, destinada a mantener una mayor coherencia entre las bandas de frecuencia y una cobertura uniforme.

Esta configuración sitúa la inteligibilidad y la dispersión entre los aspectos centrales del diseño, especialmente en aplicaciones donde un único recinto debe cubrir un área amplia de forma predecible.

XIBO T1 y XIBO T2: dos configuraciones para diferentes aplicaciones

XIBO T1 incorpora dos woofers de 10 pulgadas y está orientado a sistemas portátiles, recintos de tamaño medio, presentaciones y aplicaciones para DJ. Su formato busca equilibrar capacidad de presión sonora y facilidad de transporte.

XIBO T2 utiliza dos transductores de 12 pulgadas, aumentando la extensión en bajas frecuencias y el headroom disponible para producciones que requieren un mayor nivel de salida, como conciertos y eventos de mayor escala.

A pesar de las diferencias en la sección de graves, los dos modelos comparten la misma plataforma de amplificación y procesamiento.

1.000 W RMS y procesamiento DSP con filtros FIR

Tanto XIBO T1 como XIBO T2 incorporan amplificación Clase D de 1.000 W RMS y DSP de 32 bits. El procesamiento incluye filtros FIR de fase lineal y ocho presets, lo que permite adaptar la respuesta del sistema a diferentes condiciones de uso.

La combinación de procesamiento digital y diseño point-source responde a una necesidad creciente de sistemas capaces de cumplir diferentes funciones dentro de una misma estructura de producción. Para empresas de alquiler y técnicos, esta flexibilidad permite utilizar un mismo equipo en distintas configuraciones y reducir la cantidad de modelos necesarios en inventario.

La serie XIBO también refleja la estrategia de Montarbo de combinar el diseño de recintos para aplicaciones profesionales con herramientas de procesamiento presentes en las plataformas actuales de PA.

Con XIBO T1 y XIBO T2, la fabricante italiana amplía su presencia en el segmento point-source en un escenario donde el peso, el tiempo de montaje, la flexibilidad y el control de cobertura tienen un papel cada vez más relevante en la elección de sistemas para producciones de pequeño y mediano formato.

El sistema suministrado por Clair Global combina arreglos cardioides, subwoofers CS1 y procesamiento para cobertura en estadios.

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La gira The Romantic Tour, de Bruno Mars, marcó el debut de los sistemas L-Acoustics L1 y CS1 en una producción itinerante en América. La estructura de audio está operada por Clair Global, socio piloto de la fabricante para la nueva plataforma. 

L1 utiliza la tecnología Progressive Ultra-Dense Line Source, desarrollada para ofrecer potencia, ancho de banda y control de cobertura en grandes recintos. Tanto el sistema principal como el subwoofer CS1 incorporan comportamiento cardioide nativo, reduciendo la energía de bajas frecuencias sobre el escenario y dirigiéndola hacia el público. 

En la configuración principal, cada lado del escenario utiliza cinco módulos L1 sobre un L1D, acompañados por diez subwoofers CS1 volados. La producción también emplea K2, KS28, A10 y A15 para rellenos y sistemas de delay. 

El ingeniero de sistemas Wayne Hall señaló que el diseño cardioide ayuda a reducir la acumulación de graves habitual en los estadios. Por su parte, el ingeniero de FOH Sean “Sully” Sullivan destacó la consistencia sonora entre las primeras filas y las zonas más alejadas de las gradas. 

La producción también utiliza Source Intelligence, una herramienta de L-Acoustics basada en aprendizaje automático que separa la voz principal del ruido del público, la filtración de instrumentos y las reflexiones del recinto. 

La gira comenzó en abril y fue ampliada a 90 conciertos en América del Norte, Europa y Japón, con cierre previsto para enero de 2027 en Tokio.