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Audio: ¿Por qué ir más allá de lo básico en tus mezclas?

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Las ventajas de hacer más que lo esencial en las mezclas de audio.

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La mezcla de audio es una de las etapas más cruciales en la producción musical. Es en esta fase donde las diferentes capas de sonido —instrumentos, voces y efectos— se organizan y equilibran para crear una experiencia auditiva cohesionada y agradable para el oyente. Muchos en la mezcla tienden a limitarse a lo básico, como ajustar volúmenes, panorámicas y aplicar ecualización simple y algunos reverbs y delays.  

Aunque estos son pasos fundamentales, ir más allá de lo esencial puede transformar una mezcla común en una obra rica y quizás incluso memorable. En este artículo, exploraremos en detalle las ventajas de superar lo básico en la mezcla, destacando cómo esto puede elevar la calidad del trabajo y el reconocimiento.  

1. Diferenciación e identidad sonora  

Una de las mayores ventajas de ir más allá de lo básico es la posibilidad de crear una identidad sonora única. Cuando te dedicas a explorar técnicas avanzadas, como automatizaciones un poco más complejas, procesamiento creativo y uso de efectos (binaurales, delays, reverbs artísticos y reversos, etc.), tu mezcla deja de ser genérica y pasa a reflejar un estilo propio. Esto es especialmente importante en un mercado saturado, donde muchas canciones pueden sonar parecidas aquí en Brasil.  

Observa en estas canciones los efectos usados en las voces del cantante, hicieron la diferencia Música 1 / Música 2.  

Otro ejemplo: al usar automatizaciones de volumen o reverb, puedes crear momentos destacados en partes específicas de la canción, como un estribillo más amplio o una introducción más íntima. Este tipo de detalle no solo captura la atención del oyente, sino que también ayuda a construir una firma sonora que distingue tu trabajo de los demás.  

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Sabemos cuán trabajoso puede ser, pero al estar mezclando un álbum o un EP, elige dos o tres canciones y hazlo, pues habrá beneficios si logras un buen trabajo creativo.  

Presta atención al encaje de estos efectos en la música y consulta con el cliente qué piensa de esta propuesta. Dale tiempo al cliente para analizar.  

En este ejemplo, es evidente el uso de reverbs en casi todos los instrumentos para dar un carácter más bucólico y retro.  

2. Mejor traducción en diferentes sistemas de sonido  

Una mezcla que se limita a lo básico puede sonar bien en un sistema, pero presentar problemas en otros. Al dedicar más tiempo a la mezcla, puedes garantizar que la música se traduzca bien en diferentes dispositivos, como auriculares, sistemas de sonido de auto o parlantes Bluetooth. Esto requiere atención a detalles como:  

  • Control de frecuencias graves: Aplicar técnicas avanzadas, como compresión multibanda, para evitar exceso de graves que pueden distorsionar en parlantes pequeños, o usar compresión del bombo y el bajo en conjunto para dar más cohesión en el low end.  
  • Ecualización correctiva: Ajustar frecuencias conflictivas (desenmascaramiento) para garantizar claridad en diferentes sistemas de sonido.  
  • Referenciación cruzada: Probar la mezcla en diferentes dispositivos y ambientes para hacer ajustes más precisos.  
  • Compatibilidad monofónica: Existen plugins que detectan las incompatibilidades monofónicas de tu mezcla. Es trabajoso, pero extremadamente necesario para que tu mezcla no suene “faltando” instrumentos al ser escuchada en un teléfono celular o un restaurante donde la reproducción sea en modo monofónico.  

Y aquí una excelente materia sobre las ventajas de mezclar en mono, que tiene que ver con el tema tratado en este punto.  

Aquí tenemos un ejemplo de música compatible monofónicamente.  

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Estas prácticas van más allá de lo esencial y garantizan que el oyente tenga una experiencia consistente, independientemente de dónde escuche la música.  

3. Profundidad y dimensión espacial  

Las mezclas elementales tienden a sonar planas o “bidimensionales”. Ir más allá de lo esencial permite crear una sensación de profundidad y espacio que enriquece la experiencia auditiva. Esto puede lograrse mediante técnicas como:  

  • Uso creativo de reverbs y delays: Crear una sensación de ambiente realista o surrealista, dependiendo de la propuesta artística.  
  • Capas de efectos modulares: Combinar diferentes tipos de delays o reverbs en elementos distintos para crear una percepción más amplia del espacio.  
  • Paneo dinámico: Mover sonidos por el campo estéreo para dar una sensación de movimiento y vida a la mezcla.  

Estos elementos hacen que el oyente se sienta inmerso en la música, como si estuviera dentro de un universo sonoro tridimensional. En los enlaces a continuación, encontrarás una materia interesante sobre cómo lograrlo:  Link 1 / Link 2.  

Aquí, un ejemplo de una mezcla con buena espacialidad y profundidad.  

4. Realce de la expresividad musical  

La mezcla no es solo una etapa técnica; también es una extensión de la creatividad y la expresividad de la música. Al ir más allá de lo básico, puedes destacar las emociones y las intenciones detrás de la composición. Algunos ejemplos incluyen:  

  • Compresión paralela: Para dar más impacto a elementos como la batería, sin perder la dinámica.  
  • Automatización de efectos: Modificar parámetros de plugins en tiempo real para realzar momentos específicos.  
  • Sidechain creativo: Usar compresión sidechain de manera artística, creando efectos de bombeo o respiración que añaden energía a la música.  
  • Acentuar las tónicas de los instrumentos en la ecualización para dar más personalidad a la ejecución musical y al sonido del instrumento.  
  • Compresión al ritmo de la música: Esta técnica permite la ejecución plena de los instrumentos y la voz, aportando una percepción más emocional de la música para el oyente.  

Mira este ejemplo. Aquí puedes notar una compresión más relajada, donde el groove tiene pulsación y la voz transmite vida sentimental acorde con la melodía. Por otro lado, en este ejemplo, una compresión excesiva y fuera de tiempo perjudicó la expresión emocional de la música para el oyente.  

Estas técnicas ayudan a contar una historia o transmitir emociones de manera más poderosa, conectando al oyente con la música en un nivel más profundo.  

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5. Equilibrio y claridad musical  

Una mezcla básica puede fácilmente volverse confusa o “abarrotada”, especialmente en canciones con muchos elementos. Al explorar técnicas avanzadas, tendrás mayor control sobre cada detalle de la mezcla, asegurando claridad y equilibrio entre los instrumentos. Algunas estrategias incluyen:  

  • Ecualización quirúrgica: Eliminar frecuencias conflictivas entre instrumentos para evitar enmascaramientos (especialmente en la zona de muddiness) y eliminar resonancias de la grabación.  
  • Compresión en grupos de manera equilibrada: Controlar las dinámicas de forma precisa, manteniendo la naturalidad del sonido. Esto incluye usar una percepción uniforme de compresión tanto en inserts como en grupos.  
  • Uso de plugins de calidad: Herramientas como Acustica Audio, UAD, el ecualizador Pro-Q de Fabfilter y Neutron pueden ayudar a lograr una mezcla más clara.  
  • Monitoreo adecuado: Representa el 50% del éxito en la mezcla. Aplicar herramientas como Sonarworks para lograr una monitorización plana puede marcar la diferencia.  

Aquí encontrarás un artículo detallado de Makal Macdonald sobre el tema.  

Estas prácticas aseguran que cada elemento sea percibido con claridad en la mezcla, permitiendo que el oyente aprecie todos los instrumentos y detalles de la música.  

6. Apertura para la experimentación y creatividad  

Superar lo básico abre la puerta a la experimentación. La mezcla deja de ser solo una tarea técnica y se convierte en una oportunidad para expresar creatividad y arte. Experimentar con efectos, técnicas no convencionales e incluso distorsiones controladas puede resultar en un sonido único e innovador.  

Por ejemplo:  

  • Aplicar reverbs inversos para crear transiciones dramáticas.  
  • Experimentar con modulación estéreo para añadir movimiento a pads o sintetizadores.  
  • Usar efectos binaurales y trémolos bien aplicados.  
  • Incorporar samples como impactos, zaps y tonos para un toque creativo.  
  • Experimentar con el famoso efecto robotizado del plugin Auto-Tune, que puede ser interesante para ciertos estilos musicales.  

En las canciones siguientes puedes identificar muchos de estos efectos, como transiciones de impacto, reverbs profundos y efectos en general: Canción 1 / Canción 2.  

En este otro ejemplo, observa el uso de distorsiones y saturaciones que dan un carácter artístico único a la música.  

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Estas aproximaciones creativas pueden llevar a descubrimientos inesperados y añadir un toque artístico que hace que la mezcla sea mucho más interesante.  

7. Desarrollo profesional y personal  

Finalmente, ir más allá de lo básico en la mezcla no solo mejora el resultado final de tus producciones, sino que también es una inversión significativa en tu crecimiento profesional. Cada técnica nueva que aprendes, experimentas y aplicas en tu trabajo no solo enriquece tu repertorio técnico, sino que también amplía tu capacidad para enfrentar desafíos futuros.  

Clientes, músicos y productores valoran a profesionales que entregan más de lo esperado, que tienen un ojo agudo y un cuidado especial por cada detalle del proyecto. Esta atención minuciosa, junto con la consistencia en la entrega de resultados de alta calidad, no solo impresiona, sino que también ayuda a construir una sólida reputación en el mercado, convirtiéndote en una referencia confiable y deseada.  

Reflexión final  

El esfuerzo de ir más allá de lo básico no se trata solo de técnica; es un paso estratégico para consolidar tu posición como un profesional destacado y respetado en la industria musical.  

Al final, ¿cuándo es importante hacer lo básico en una mezcla? Esto lo exploraremos en nuestro próximo artículo aquí en la revista Música & Mercado. ¡Hasta entonces!  

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*Autor: Marlon Porto, técnico de audio en Promaster Studios.

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Música y Mercado es la revista de negocios en el segmento de audio profesional, la luz y los instrumentos musicales. Nuestro tema es animar a los empresarios a desarrollar la distribución y venta de equipos.

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Lollapalooza Brasil 2025: Outline entrega sonido en el Perry’s Stage

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Con sistema GTO y tecnología Newton, la marca italiana ofreció cobertura para uno de los escenarios más enérgicos del festival.

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La edición 2025 de Lollapalooza Brasil, celebrada del 28 al 30 de marzo en el Autódromo de Interlagos, en San Pablo, reafirmó su estatus como uno de los festivales más importantes de Sudamérica. Con un cartel encabezado por figuras como Olivia Rodrigo, Tool, Shawn Mendes y Justin Timberlake, la producción también apostó por una infraestructura técnica a la altura de los nombres que pasaron por el escenario. 

En el Perry’s Stage, el sistema de sonido estuvo a cargo de Outline, desplegado por el reconocido proveedor brasileño Gabisom Audio Equipment.

Por segundo año consecutivo, Gabisom confió en las líneas GTO y GTO C-12 de Outline para garantizar una experiencia sonora inmersiva. Según explicó Danilo Costa, ingeniero de sistemas de Gabisom, el montaje incluyó nueve módulos GTO y nueve GTO C-12 por lado (LL + L + R + RR), un arreglo LLL con 12 Superfly, 44 subgraves DBS 18-2 en configuración end-fire con delay digital, y ocho Mantas 28 como front fills. “El sonido fue increíble”, afirmó Costa. “Cubrimos 120 metros de ancho por 170 de profundidad con absoluta precisión.”

La clave del control del sistema estuvo en el procesador Newton, la plataforma FPGA de Outline, que permitió gestionar el complejo diseño de forma estable e intuitiva. “El GTO vuelve a demostrar por qué es incomparable: ofrece cada detalle sonoro con total fidelidad, como si fueran monitores de estudio, pero en formato masivo”, destacó Costa. “Con esta tecnología, uno sabe que el rendimiento será impecable en todo momento.”

Lollapalooza, nacido en 1991 como gira de despedida de Jane’s Addiction, es hoy un fenómeno global con ediciones en América, Europa y Asia. En Brasil, el festival no solo reúne a miles de fans por su cartel musical, sino también por su calidad técnica, donde marcas como Outline y aliados como Gabisom juegan un papel esencial.

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Conoce Yamaha Audioversity Online, plataforma global de formación en audio

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La empresa japonesa Yamaha lanzó este año Audioversity Online, una nueva plataforma de capacitación que busca ampliar el acceso al conocimiento técnico en el mercado del audio profesional. 

Desde 1990, Yamaha ha ofrecido programas educativos en diversas aplicaciones de audio. En 2018, unificó estas iniciativas bajo la marca Audioversity, con el objetivo de acelerar sus acciones formativas. A la fecha, más de 100 mil personas en más de 50 países han participado en sus capacitaciones.

Capacitación a tu ritmo

Audioversity Online funciona a través de un sistema de gestión de aprendizaje (LMS), permitiendo a los usuarios acceder a cursos en cualquier momento y desde cualquier lugar, adaptándose a sus propios tiempos. La plataforma incluye webinars, módulos de autoformación y certificaciones, tanto de Yamaha como de AVIXA, brindando créditos de Unidad de Renovación (RU) a quienes poseen la certificación CTS/ANP.

Cursos para todos los niveles

Los contenidos abarcan desde fundamentos para principiantes hasta entrenamiento técnico avanzado, con temas centrados en soluciones, productos y tecnologías aplicadas al día a día. Todo el material está diseñado con gráficos y explicaciones claras, facilitando el aprendizaje para públicos diversos.

“Con Audioversity Online, queremos ofrecer a más personas la oportunidad de desarrollar habilidades en audio de forma accesible y eficaz”, explicó Thomas Hemery, gerente general de la División de Soluciones Profesionales de Yamaha. “Nuestro objetivo es seguir acompañando a los profesionales del sector con herramientas formativas alineadas con los cambios del mercado.”

Yamaha reafirma así su compromiso de apoyar a quienes trabajan con audio, ofreciendo formación continua y adaptable a las nuevas demandas de la industria.

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Disponible en diferentes países del mundo, puedes ver su disponibilidad aquí.

Audioversity Online: Online Learning For A Better-Sounding World
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RCF nombra a Brian Espinosa nuevo Gerente para el Oeste de EEUU

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La compañía RCF anunció el nombramiento de Brian Espinosacomo Gerente de Territorio Oeste, una nueva posición creada para fortalecer su presencia en el mercado estadounidense. 

Desde este cargo, Espinosa liderará las actividades de ventas y soporte en la región occidental de Estados Unidos.

Con más de 20 años de experiencia en la industria del audio profesional, Espinosa ha trabajado en refuerzo sonoro, integración y producción de eventos. Comenzó su carrera en 1998 en Cakewalk Music Software, y durante casi dos décadas fue representante independiente en Marshank Group, colaborando con marcas reconocidas como Adamson, Clair Brothers, EAW, Mogami Cable y Genelec. Además, ya había trabajado previamente con RCF, lo que le brinda un conocimiento profundo de la marca, su cultura y productos.

En esta nueva etapa, Espinosa tendrá como objetivo impulsar el crecimiento de RCF en los mercados de integración y producción de eventos, manteniendo la estabilidad en el canal minorista. Estará a cargo de líneas clave como RCF, TT+ Audio y GTX, colaborando con distribuidores, integradores y empresas de producción en estados como California, Nevada, Arizona, Colorado, Utah, Washington, Oregón, Montana y Hawái.

“Es un honor unirme al equipo de RCF en un momento tan importante para la compañía. Siempre he admirado tanto a las personas como a los productos que definen a esta marca. Me entusiasma aportar a su crecimiento continuo desde este nuevo rol”, comentó Espinosa.

Trabajará en estrecha colaboración con Tarik Solangi, vicepresidente de Ventas y Marketing de RCF, y con Justin Brock, vicepresidente de Cuentas Estratégicas y Operaciones, además del resto del equipo regional.

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“Nuestro crecimiento en el mercado se basa en productos innovadores y en un equipo que entiende profundamente las necesidades de nuestros clientes”, señaló Solangi. “La experiencia y entusiasmo de Brian lo convierten en una incorporación clave para seguir fortaleciendo nuestra presencia en el territorio.”

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