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Reverb 101: Cómo obtener sonidos del tamaño de una catedral en espacios pequeños

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Te contaremos un pequeño secreto: las grabaciones son ilusiones, trucos de audio, capturar momentos únicos en el tiempo, recrearlos y remodelarlos para que puedan usarse una y otra vez.

Hoy en día, los artistas e ingenieros de Home Studio tienen un sinfín de herramientas para realizar grabaciones con efectos tanto naturales como creados. La reverberación es un gran ejemplo, se utiliza para crear una sensación de espacio, agregar efectos musicalmente sutiles y crear amplitud, profundidad y cohesión en una mezcla. La reverberación se puede incorporar de forma natural, capturando a los artistas en un espacio reverberante (como una orquesta en una sala de conciertos, un coro en una iglesia o, como Led Zeppelin se hizo famoso en “When the Levee Breaks”, con un baterista tocando en una escalera); o artificialmente, aplicando procesadores de reverberación durante la grabación y la mezcla.

Con tantos plug-ins y efectos de reverberación a tu disposición, es fácil meterse en un laberinto, cazar y experimentar con presets en busca del sonido ideal. Puedes eliminar algunas de estas conjeturas aprendiendo cómo funcionan las reverberaciones y qué sucede cuando ajustas tus parámetros.

¿Qué es la reverberación de todos modos?

La reverberación es el reflejo del sonido en un entorno acústico. El carácter de la reverberación se define por el número, la densidad, el tono y la duración de los reflejos sónicos (ecos), que están influenciados por el tamaño, la forma y las superficies de un espacio que reflejan y absorben el sonido.

Durante cientos de años, las salas de conciertos fueron apreciadas por sus características reverberantes que complementaban las interpretaciones musicales, y los legendarios estudios de grabación fueron buscados por su acústica única.

Los procesadores de reverberación han estado mejorando las grabaciones desde la década de 1940. Las primeras reverberaciones electromecánicas albergaban enormes placas de metal o resortes que se excitaban con vibraciones sónicas; otros estilos se basaron en ecos de cinta magnética.

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Las reverberaciones digitales existen desde la década de 1970; cuando Lexicon lanzó el legendario Modelo 224 en 1978, por $7,500 por dos programas, era la unidad más asequible del mercado y cambió el juego del estudio. El 480L, lanzado en 1986, se convirtió rápidamente en el estándar de oro en reverberación, definiendo el sonido de los discos pop en las siguientes décadas.

Hemos recorrido un largo camino desde entonces. Hoy en día, un Home Studio puede ofrecer la misma tecnología de reverberación legendaria en forma de software, al igual que una amplia gama de modelos de mezcladores Soundcraft y altavoces portátiles JBL están equipados con efectos Lexicon.

 

Lexicon 480L

 

Los componentes básicos de la reverberación

Un efecto de reverberación mejora el sonido mediante la introducción de una serie de reflejos complejos, replicando la forma en que se comportaría el sonido en un entorno acústico. El número, la intensidad, el contenido de frecuencia, la densidad y la duración de estos reflejos dan a cada reverberación su carácter único.

Un perfil de reverberación comienza con un predelay, el tiempo entre el inicio del sonido directo y el reflejado. (Cuanto más grande sea la sala, mayor será el predelay). Early reflections son los primeros reflejos que llegan al oyente (o al micrófono) después de rebotar en paredes, techos, pisos y otras superficies. En el cuerpo de reverberación, a veces llamado campo reverberante, los reflejos se multiplican y muestran patrones más difusos y complejos a medida que rebotan en un espacio. El decaimiento de una reverberación, o cola, es su atenuación para silenciarla. El tiempo de reverberación se establece en RT60, el tiempo que tarda el sonido inicial en reducir su volumen en 60 decibelios (dB). Los tiempos de RT más cortos se sienten más apretados y cercanos (piensa en folk o jazz), mientras que los tiempos de RT más largos suenan más grandes y más teatrales (piensa en Power ballads). Todos estos elementos están disponibles como parámetros de efecto de reverberación estándar y ajustables con valores que van desde milisegundos hasta muchos segundos.

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Elegir el efecto correcto

Las reverberaciones van desde efectos de sonido natural diseñados para evocar espacios acústicos reales hasta efectos especiales que imitan los procesadores clásicos o crean sonidos de otro mundo que nunca existirían en el mundo real. Exploremos las opciones más comunes.

Chamber: Históricamente, para controlar la reverberación natural, los estudios de grabación solían construir cámaras altamente reverberantes donde podían amplificar los sonidos y capturar los efectos de reverberación en la sala con un micrófono. Estas cámaras se utilizaron ampliamente en discos clásicos de soul y rock: las cámaras debajo de Abbey Road se usaron en la mayoría de las grabaciones de los Beatles, y las ocho cámaras subterráneas de Capitol Studios se pueden escuchar en álbumes de artistas que van desde Frank Sinatra hasta los Beach Boys. Los efectos de cámara emulan las propiedades de estas salas altamente reflectantes y se caracterizan por una rápida acumulación de densidad de reverberación con colas de caída aleatorias. Los efectos de cámara suenan exuberantes como Hall Reverbs, pero tienden a proporcionar más claridad; a menudo se usan en voces, cuerdas o guitarra, o para crear sonidos de batería “grandes”.

Hall: Los efectos Hall recrean las características de los grandes espacios acústicos. Algunos Halls son espacios genéricos, como arenas. Los efectos de Concert Hall recrean espacios diseñados específicamente para actuaciones musicales. Las reverberaciones de Hall se caracterizan por una acumulación lenta de tiempos de reflexión y reverberación iniciales, que a menudo alcanzan varios segundos. Algunos efectos de Concert Hall están diseñados para que suenen con un tono uniforme, mientras que otros mejoran las frecuencias bajas para crear un espacio grandioso y animado. Los efectos de Concert Hall son perfectos para mejorar las grabaciones orquestales y desarrollar instrumentos de cuerda y sintetizadores de pad (cama popular), pero el uso excesivo puede hacer que tu mezcla pierda definición y suene amortiguado y aburrido, así que asegúrate de escuchar los efectos de Hall en el contexto de tu mezcla completa, en lugar de aisladamente.

Room: Los efectos Room varían ampliamente, pero generalmente simulan espacios acústicos más pequeños que los hall, espacios que fueron diseñados para la practicidad frente a la interpretación musical. Sus características son una rápida acumulación de reflexiones iniciales, cortos tiempos de decaimiento con poca o ninguna cola, y resonancias y otras coloraciones que se encuentran en estos espacios. Los efectos de Room tienden a ser más sutiles que otros efectos y pueden dar a tu grabación una sensación natural y personal, algo que podrías estar buscando con un cantante/compositor, instrumentos acústicos o géneros como el folk y el jazz. Los algoritmos de room de Lexicon simulan espacios que van desde cubículos hasta salas de forma irregular, que también son excelentes para el diseño de sonido de películas y efectos especiales.

Plate: Los efectos de Plate imitan el comportamiento de las primeras reverberaciones de placas. Suenan compactos y suaves, con una calidad brillante y ligeramente metálica. Un perfil de placa de metal no tiene reflejos iniciales, tiene una difusión inicial alta y rápida seguida de un decaimiento brillante. Los efectos de plate recrean los amortiguadores utilizados para silenciar las vibraciones de los modelos originales, amortiguando las frecuencias altas con tiempos de caída más cortos, lo que se suma a su efecto de volumen característico. La placa es una estrella en la batería, el piano y la guitarra (intenta resaltar los agudos aplicando un filtro de paso alto) y brilla en las voces sin sugerir un espacio acústico específico o hacer que un cantante suene demasiado lejos en la mezcla. El algoritmo Vintage Plate de Lexicon tiene retardos izquierdo y derecho que se pueden usar para crear efectos de eco y puede sincronizar el tiempo de retardo con el tempo.

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Reverb en la mezcla

La reverberación se utiliza tanto para realce natural como para efectos especiales. Antes de agregar reverberación, piensa cómo quieres que suene tu mezcla. El género en el que estás trabajando probablemente señalará opciones basadas en estilos. La música clásica, el jazz y otra música acústica tienden a requerir un tratamiento más natural, mientras que la reverberación teatral actual está en el hogar del pop y el rock.

¿Vas por el realismo o por el gran drama? Emular una habitación de tamaño pequeño a mediano agregará vivacidad sin abarrotar la mezcla. (Puede ser útil imaginar el espacio donde experimentarás la actuación). ¿Quieres enfatizar los elementos de la mezcla o no? Los sonidos menos reverberantes (“secos”) aparecen más cerca, mientras que los sonidos más reverberantes (“húmedos”) aparecen más lejos.

Considera el tempo de tu música: generalmente, cuanto más rápida o rítmicamente compleja sea la música, más corto será el tiempo de reverberación para mayor claridad. Los tempos más lentos y los sostenidos más largos tienden a resistir mejor las reverberaciones más grandes y largas.

La reverberación puede superar algunas de las limitaciones de la grabación casera al crear el “sonido” de mejores entornos acústicos. (Acerca el micrófono a tus fuentes de sonido para no enfatizar el sonido de la habitación en espacios imperfectos). ¿Estás grabando una colaboración musical remota? La reverberación puede hacer que tu mezcla sea cohesiva, como si todos los músicos estuvieran tocando en el mismo espacio.

Ten en cuenta que un efecto de audio suena muy diferente cuando lo escuchas aplicado a una pista individual en lugar de escuchar esa pista en la mezcla. Un efecto de reverberación teatral puede sonar hermoso en voces solistas, por ejemplo, pero esas voces pueden sonar oscuras o confusas cuando se superponen a otros elementos de mezcla. Siempre toma decisiones de reverberación en el contexto general de tu mezcla.

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Música y Mercado es la revista de negocios en el segmento de audio profesional, la luz y los instrumentos musicales. Nuestro tema es animar a los empresarios a desarrollar la distribución y venta de equipos.

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Truvox 0615 de Celestion para una variedad de aplicaciones

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Celestion presenta el Truvox 0615, un nuevo driver de medios graves de 6” centrado en ofrecer calidad a un precio asequible en una amplia variedad de casos de uso.

Las aplicaciones en las que sobresale el Truvox 0615 incluyen el reemplazo de parlantes de seis pulgadas en instalaciones fijas de PA, el uso de OEM en la construcción de gabinetes fijos o portátiles nuevos, la mejora de los parlantes de audio de fábrica para automóviles o prácticamente cualquier situación en la que un parlante compacto y liviano deba funcionar en rango medio-grave. o incluso tareas primarias del woofer.

Gracias a que el Truvox 0615 de Celestion está diseñado según las dimensiones de montaje estándar de la industria, el reemplazo en gabinetes de PA, automóviles, amplificadores de bajos, soportes de pared empotrados y otros destinos es una operación inmediata que restaura la claridad y la potencia de sistemas que trabajan duro pero que están cansados.

Truvox 0615 se adapta como woofer principal en cajas de dos vías o como elemento de medios, graves y medios en sistemas de tres vías. También es una opción para colocar en puertas de automóviles, ya que muchos vehículos comparten sus especificaciones de montaje.

La impedancia de 8 ohmios garantiza la compatibilidad más amplia posible con amplificadores de potencia, ya sean externos o integrados en un diseño de gabinete activo. El Truvox 0615 maneja 300 W de potencia continua, pero gracias a su sensibilidad de 93 dB, aún reproduce el sonido de manera eficiente cuando se ofrece una asignación de potencia más modesta.

Una canasta de acero prensado maximiza la transferencia de energía y al mismo tiempo hace que tenga un peso liviano: apenas 1,6 kilogramos (3,5 libras). El imán de ferrita, la bobina móvil de cobre redonda de 1,5 pulgadas, el cono cargado de Kevlar y el cono envolvente de doble rodillo en forma de M trabajan juntos en este modelo. Una ventilación ubicada centralmente ayuda a la refrigeración y se incluyen juntas delanteras y traseras para facilitar el montaje.

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Truvox 0615 es el primer miembro de una nueva familia de productos que se basa en la larga tradición de Celestion. Truvox era una marca conocida por sus altavoces para PA a mediados del siglo XX y, en 1949, compró la empresa entonces conocida como Rola Celestion. Así, la marca Celestion añadió una amplia gama de drivers de PA a su gama.

La empresa ampliará la línea Truvox a lo largo de 2024 para incluir tamaños de 8”, 10”, 12” y 15”.

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Germán Tarazona, sonidista de Maluma, cuenta cómo encontró el micrófono ideal

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Desde su infancia, compartida entre Barranquilla, Bogotá y Medellín, descubrió la temprana vocación por estar detrás de una consola, hasta su actualidad en el mainstream latinoamericano. 

Germán Tarazona cuenta desde su trabajo para Lennox, Jarabe de Palo, Aterciopelados y Doctor Krapula, entre otras bandas y artistas, hasta las pruebas que lo llevaron a encontrar el micrófono ideal para la voz de Maluma, artista para el cual trabaja actualmente en su gira mundial Don Juan. 

¿Cómo llegaste a trabajar de ingeniero de sonido?

Por pasión y amor profundo por la música. Lo que ocurrió es que yo tengo un familiar cercano que es ingeniero de sonido en Colombia con una gran trayectoria, mi madre siempre me apoyaba cuando era niño, quería estar en los conciertos y montajes con él. Sin duda fue mi ejemplo a seguir en muchos aspectos. Por otro lado tuve bandas en el colegio donde tocaba batería y hasta en algunos conciertos locales en Barranquilla, pero mi inquietud siempre estaba en pensar si sonaba bien, que la gente se llevara un buen concepto de nuestras bandas.

Un legado familiar

Mi primer concierto que recuerdo bien fue a los 11 años, acompañando a mi tío que trabajaba en ese entonces con la renombrada empresa Cesar Vilar. Me dediqué a cargar cables de un lado para otro, preguntar cómo se hacían las cosas. Carlos Vives ese día estaba lanzando el disco “La tierra del olvido” en el Estadio El Campín de Bogotá. Ese día dije: “quiero hacer esto el resto de mi vida ”. Finalmente me quedé dormido al lado de la consola antes que empezara el concierto jaja.

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¿Cuándo se produce el gran salto?

Cuando tenía 15 años, a través de mi familiar me contactaron de una empresa muy importante de Barranquilla, en ese entonces “Dacarette Sound”, para que, en mis tiempos libres, yo pudiera ser asistente en monitores o en cualquier área y así seguir aprendiendo. Ahí participé en trabajos como el Festival de Orquestas, Carnavales, etc.

La decisión tomó forma para mí cuando a los 18 años decidí estudiar ingeniería de sonido. Se lo manifesté a mi madre y para ser honesto a esa altura lo dudé un poco porque era una carrera sumamente nueva en el país, estamos hablando del año 1999/2000, pero yo estaba decidido, así que me fui a Bogotá en el año 2001 a estudiar con la poca experiencia que había recorrido desde los 15 años. Mi sueño era hacer giras y mezclar conciertos.

¿Cómo empezaste ese camino en Bogotá?

Entré en la Universidad de San Buenaventura porque tenían una carrera muy completa, allí tuve grandes profesores como, Mauricio Cano, Javier Martinez, William Romo (QEPD) Pedro Valleta y Juan Carlos Quijano entre otros que me hicieron recorrer los caminos de la producción, amor a la música, a los detalles al mezclar, la electroacústica, el buen gusto en los efectos y la física, pero mi enfoque era el vivo, era lo que me apasionaba. Así que empecé mezclando las bandas de mis compañeros de la universidad, eran reconocidas en la escena local. Recuerdo bien mi primer show fue con 4×4 en un lugar llamado “Macondo” con una consola de 16 canales, luego vendría “Raíz” una banda de rock con la que trabaje y empecé a enfrentarme a festivales y montajes más grandes, por ejemplo “Rock al Parque” en varias ediciones, para mi fueron buenas épocas mezclando punk y hardcore, esos años fueron brutales, los recuerdo mucho.

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Siempre tuviste el norte muy claro.

Exacto. Cuando ya me había hecho un nombre dentro de la escena underground de Bogotá, decidí trabajar con empresas como técnico de audio (People Sound, Soundcheck, Cesar Vilar, 903 Sound), algo importante es que la academia es fantástica, te forma, te da toda las herramientas pero no te da el pase a trabajar con bandas o girar, se necesita experiencia en el campo real, por eso trabajar en compañías locales es una gran idea, nos permite foguearnos, conocer muchos equipos que tal vez en la universidad no tenemos, asistir ingenieros y aprender de diferentes métodos de trabajo.

Fue así como llegué a mi primer mainstream: Doctor Krápula. Una megabanda de ska/reggae que en el 2002 lanzaba su disco Bombea que fue un gran hit, llegue a trabajar con ellos por recomendación de un amigo de la universidad que estaba grabando ese disco junto a Mauricio Cano y Francisco Castro, quien hoy en día es un reconocido ingeniero de grabación y mezcla. Así que mientras terminaba la universidad trabajaba y giraba con ellos.

¿Cuándo se internacionaliza tu trabajo?

Cuando me llaman de una banda de rock llamada Don Tetto. De la mano de ellos conozco a dos personas que hasta el día de hoy son grandes amigos: Alejandro Arias, actual Production Manager para Karol G, y Fabio Acosta, manager de renombrados artistas internacionales. Con Don Tetto viajamos a festivales en Estados Unidos, a México y Centroamérica. Empezar a girar de esta manera me abrió el espectro de mi carrera, de fondo entendí que había que prepararse mucho mejor y tenía mucho camino por recorrer; empecé a conocer muchos colegas de Colombia, México, Argentina, Perú, Puerto Rico, España y Estados Unidos, colegas que seguía desde antes y que ahora puedo llamar amigos, esto me inspira mucho.

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Simultáneamente también giraba con Cali y el Dandee, un dúo de hermanos Colombianos que la reventaron en España y Latinoamérica.

Un punto muy importante en mi carrera es cuando Andres Saavedra (reconocido ingeniero y productor colombiano radicado en los Estados Unidos), me presenta con Pau Dones de Jarabe de Palo y empiezo hacer toda su gira en Estados Unidos y América latina llamada “Somos”. Finalmente un tiempo después me llama de nuevo Alejandro Arias para sumarme al equipo de J Balvin como Ingeniero de Monitores y sin duda alguna esa posición y ese tour dieron un rumbo sólido a mi carrera profesional.

¿Qué te enamoró específicamente de hacer monitores?

Hacer monitores es otro mundo, es una posición de servicio, de atender al artista, a la banda, a los técnicos y todo aquel que tenga que hacer algo en el show, cada persona tiene gustos diferentes y lograr una comunicación sólida con ellos permite sumar muy bien en equipo y a través del monitoreo potencializar su performance.

El siguiente movimiento ocurre cuando me llamó Teo Echeverría, Production Manager en ese entonces de Maluma para hacer monitores para ellos en su gira F.A.M.E que estaba por empezar en Europa.

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¿Cómo abordaste ese reto?

Llegué a un proyecto sumamente estructurado en el 2018. Maluma ya era un artista muy exigente, tenía una responsabilidad muy grande al abordar ese tour. El primer ensayo con el artista fue un éxito, disfrutó mucho la mezcla que le propuse en sus in ears, desde ahí hemos construido una relación de mucho respeto y crecimiento profesional, es un artista que entiende la tecnología, siente cualquier cambio en su mezcla, realmente hay que estar muy atento durante el show. Hice aproximadamente 4 años de monitores y ahora estoy encargado del Front of House con Chris Gratton como Production Manager.

Maluma realmente se prepara mucho para sus giras, son muchas horas de ensayo con la banda, con él, los equipos que implementamos y con la producción total antes del primer concierto, su dedicación y entrega es para dar conciertos de alta calidad. Esta gira “Don Juan” tiene retos que disfruto mucho, por ejemplo la variedad de géneros musicales que tenemos el show y una banda con muchos elementos dirigida por Miguel Márquez “Escobar” de Puerto Rico, esto nos reta como equipo.

¿Qué particularidades tiene el trabajo en vivo con él y qué te demanda?

Yo logré construir con él una línea de comunicación técnica muy profesional, él expresa su visión de cómo quiere sonar tanto en sala como en monitores y ejecutamos lo mejor posible esa idea, le compartimos los pro y los contras y así llegamos a la mejor versión de su requerimiento. Conversamos mucho sobre el uso del micrófono, de ahí que llegamos a trabajar con Sennheiser. Hicimos un tour que se llamaba Papi Juancho, que fue uno de los primeros tours latinoamericanos en EEUU finalizando la pandemia, era un stage 360 y esto generaba una complejidad absoluta, probamos de todo para lograr tener la mejor captura de su voz y la menor captura de ambiente. Fue así como en Sacramento en los ensayos finales para el tour decidió que su cápsula favorita era la Sennheiser MM 445.

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¿Cómo fue el resultado?

Tiempo después de estar utilizando la cápsula añadimos también el transmisor SKM 6000 y su receptor EM 6000 más el command para su comunicación con la producción durante el show, hasta hoy seguimos muy contentos con el resultado de su voz, primero en los In Ears y segundo en Front of House, ahora hicimos un upgrade y estamos con la cápsula Sennheiser MD 9235

¿Cuál es el mayor halago que puedes recibir por tu trabajo?

Es muy gratificante cuando el comentario es “que gran show” eso nos hace brillar en equipo, somos muchas personas detrás de los artistas (iluminación, video, backline, producción, bailarinas, coreógrafos, pyro, seguridad, monitores) haciendo un esfuerzo máximo para que todo salga impecable cada día, así que para mi cuando alguien reconoce el trabajo que hacemos en equipo me parece increíble.

¿Cómo te imaginas en el futuro?

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Ahora tengo una gran emoción por ser parte de Clair Global en su sede principal en Lititz Pennsylvania. Soy el primer colombiano en estar aquí, esto es una responsabilidad muy grande, siento que se vienen años de aprendizaje y crecimiento profesional de la mano de una empresa con un legado único.

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IK Multimedia lanza ARC Studio Hardware

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IK Multimedia lanza ARC Studio, un sistema de corrección acústica de salas de hardware listo para usar que promete mejorar instantáneamente los monitores de estudio tradicionales. 

Hay una razón por la que todos los monitores de estudio de alta gama de hoy en día incluyen corrección de sala activa: mejora enormemente su rendimiento y garantiza que las mezclas se reproduzcan perfectamente.

ARC Studio ofrece el mismo aumento masivo en rendimiento y precisión para cualquier monitor en cada estudio. El sistema incluye un procesador de hardware independiente; nuevo software ARC 4 (también disponible por separado) para analizar y corregir el entorno auditivo con controles adicionales; y un micrófono MEMS de precisión para medición.

“Por primera vez en la industria discográfica, se puede utilizar un procesador de hardware asequible como sistema de corrección y calibración en cualquier tipo de estudio (ya sea doméstico, de proyecto o profesional) sin las limitaciones de un sistema únicamente de software”, destaca el comunicado oficial.

Instalación en minutos

Con el micrófono incluido conectado a una interfaz de audio, el software ARC 4 guía al usuario a través de un proceso rápido de medición de las respuestas acústicas dentro de la posición de escucha. La galardonada tecnología ARC de IK utiliza esta fotografía en 3D para identificar y corregir cualquier punto problemático que degrade el rendimiento de un monitor.

ARC 4 almacena el perfil de corrección y lo carga en el procesador ARC Studio, de forma invisible entre la interfaz y los monitores para aplicarlo a todas las señales entrantes. El procesador independiente corrige los monitores de estudio en cualquier estudio, incluidos equipos y consolas basados ​​en hardware.

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Rendimiento audiófilo

ARC Studio presenta un rango dinámico de 120 dB(A) desde entrada analógica hasta salida analógica, respuesta en frecuencia de 0,5 Hz a 40 kHz y sincronización ultraestable.

La unidad de procesador se conecta al estudio y a los monitores a través de rutas XLR balanceadas con hard bypass basada en relés y alimentación segura, de modo que cuando está en bypass, todo está protegido contra picos repentinos relacionados con la energía. 

Incluye emulaciones de monitores

ARC Studio se puede recargar instantáneamente con nuevas configuraciones usando el software ARC 4. ARC 4 ahora cuenta con una función de emulación de monitor que transforma cualquier sistema de monitoreo en monitores de estudio icónicos, así como parlantes de alta fidelidad y dispositivos móviles populares, reproduciendo la respuesta en frecuencia y fase de los originales.

Con más de 20 perfiles incluidos en ARC 4, un solo par de monitores ahora permite a los usuarios probar rápidamente una combinación en diferentes sistemas de referencia sin tener que ir hasta el automóvil o comprar pares de monitores adicionales.

Personalización del sistema

Viene con 9 curvas objetivo de fábrica para situaciones clave. La curva estándar ofrece resultados equilibrados en curvas planas y otras específicas para diferentes necesidades o configuraciones. De forma predeterminada, ARC corrige todo el espectro de frecuencia, pero los usuarios pueden establecer límites de corrección por separado para los extremos del espectro. Esto es útil para preservar la personalidad única del monitor o corregir un cierto rango de frecuencia.

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También hay un control para ajustar la resolución del filtro de corrección para utilizar más o menos bandas de frecuencia. Dependiendo del sonido específico de la habitación, esto puede lograr una corrección más quirúrgica o un equilibrio mayor y más suave.

Los modos de fase Natural o Lineal seleccionables garantizan imágenes estéreo precisas. El modo natural mejora la respuesta de fase, mientras que el modo de fase lineal mantiene la respuesta de fase entre canales original, que puede ser preferida en determinadas salas y condiciones. 

ARC Studio – Make any studio monitors sound better
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